Juin 23, 2024
Jean-Pierre Kunkel, né en 1950 à Liévin, en France, est l’un des illustrateurs et artistes commerciaux les plus célèbres d’Allemagne.
Son voyage dans le monde de l’art a commencé par une formation formelle en peinture à l’Académie des Beaux-Arts de Munich et à l’Université des Beaux-Arts de Hambourg.
Initialement, Jean-Pierre Kunkel commence à travailler comme illustrateur, bâtissant une carrière de plus de 35 ans d’expérience dans l’industrie de la publicité.
Après ses études, Jean-Pierre Kunkel découvre la scène artistique de Paris et de New York, où il assiste le photographe publicitaire et activiste artistique français Jean-Paul Goude.
Cette période a grandement influencé la manière de travailler photoréaliste de Jean-Pierre Kunkel, qu’il a ensuite perfectionnée sur une base autodidactique.
Son travail a obtenu une couverture mondiale lorsqu’il a créé une célèbre couverture pour « Der Spiegel », un hebdomadaire allemand d’information avec l’une des plus grandes publications d’Europe.
Résidant et travaillant actuellement à Hambourg, le répertoire artistique de Kunkel couvre un large éventail de médiums, notamment l’aquarelle, la peinture à l’huile, l’aérographe, la photographie et la manipulation d’images numériques.
Cependant, c’est sa fusion unique de techniques dans ses séries « photoréalistes » qui distingue véritablement son travail.
Grâce à son utilisation magistrale de la couleur, de la lumière et de la texture, Kunkel insuffle une nouvelle vie à ses sujets, transformant les moments ordinaires capturés par l’appareil photo en œuvres d’art extraordinaires.
Entre les mains de Kunkel, la réalité n’est pas simplement reproduite mais réinventée, permettant aux spectateurs de découvrir le monde à travers sa perspective unique. Comme son professeur Goude, il aborde sa propre idée de l’esthétique parfaite à travers l’art. En ce sens, le photoréalisme est à la fois un dispositif stylistique et une technique.
Chaque pièce de la collection de piscines Kunkel est fabriquée de manière méticuleuse, chaque étape du processus étant exécutée avec précision et soin.
Tout commence par la conceptualisation des images photographiques et la recherche des modèles parfaits. Kunkel donne ensuite vie à sa vision à travers des séances photo sous-marines élaborées, capturant l’essence de ses sujets d’une manière distinctive.
Après l’étape de la photographie, Kunkel passe au crible méticuleusement ses images numériques, isolant et réassemblant des éléments individuels pour créer des compositions cohérentes qui évoquent un sentiment d’harmonie et d’équilibre. Jean-Pierre KUNKEL vise la perfection et il faut ainsi éliminer la distorsion du corps sous l’eau par la réflexion sous l’eau
Juin 15, 2024
Jim Drouet
Le travail de Jean-Marie Drouet est une magnifique démonstration de l’art contemporain dans ce qu’il a de meilleur.
Né en 1961, Jim Drouet a initialement suivi des études à l’École des Beaux-Arts, mais il a ensuite quitté le monde de la publicité et de l’édition pour se consacrer exclusivement à la peinture.
Puisant dans sa vaste expérience en design éditorial et photographie, l’œuvre de Drouet témoigne des possibilités illimitées de la couleur, de la forme et de la composition dans l’art contemporain.
Le portfolio diversifié de Drouet s’étend sur les domaines abstrait et figuratif, se distinguant par ses palettes audacieuses et ses agencements frappants qui évoquent des esthétiques cinématographiques, instillant un sentiment de tranquillité.
Dessinateur passionné, Jim Drouet privilégie les couleurs contrastées et les compositions minimalistes dans ses œuvres abstraites. Ces peintures captivent par leur interaction dynamique de teintes vives, invitant les spectateurs à s’immerger dans le mouvement fluide et les textures captivantes, évoquant un profond sentiment d’émerveillement.
Au-delà de ses créations abstraites, les œuvres figuratives de Jim Drouet attirent également l’attention, capturant la forme humaine avec une émotion brute et non filtrée.
Son utilisation magistrale de la couleur infuse chaque figure d’une vitalité et d’un sentiment tangibles. Souvent situés dans les paysages côtiers baignés de soleil de l’ouest de la France, les sujets de Drouet dégagent un charme et une intimité distinctifs, enrichissant davantage la narration de son art.
» Le sujet principal de mes peintures reste la peinture elle-même. Chacun y verra ce qu’il veut y voir car ce n’est pas la réalité qui compte, mais ce que l’imagination peut en faire » Jim DROUET.
« Mes toiles trouvent leurs origines dans les nombreux croquis que je réalise sans cesse enrichis de mes recherches photographiques. Les scènes de vie qui font mon quotidien ou que je croise en voyages me servent de sources d’inspiration et les personnages constituent mes sujets préférés tout en gardant une véritable fascination pour les forts contrastes et l’épuration des décors. Construites autour d’une solide composition (le trait et le dessin sont au centre de tout mon travail) mes huiles parlent avant tout de calme et de lumière, c’est en tout cas ce que je veux montrer. » Jim DROUET
Juin 7, 2024
Jules Dedet, plus connu sous le nom de « L’Atlas », est un artiste français de street art né en 1978.
Passionné par la calligraphie et l’histoire de l’écriture, il commence à taguer dans les années 1990, à l’âge de douze ans.
Artiste méticuleux et à la recherche d’une certaine pureté tant dans la forme que dans le choix de ses couleurs. L’Atlas exprime à travers sa vie et son art, la philosophie asiatique de la dualité comme source essentielle de complémentarité. À travers ses tableaux hypnotiques, on retrouve souvent une dichotomie entre le noir et le blanc.
Refusant de suivre des études académiques et de mener une vie conformiste, L’Atlas abandonna ses études d’histoire de l’art pour se consacrer pleinement à son amour de l’écriture. Il part au Maroc puis en Égypte pour étudier l’art de la calligraphie arabe auprès de grands maîtres et de professeurs.
À son retour à Paris, il transposa les techniques arabes anciennes apprises avec les médiums contemporains que sont le scotch et le spray sur des toiles et des papiers. Il crée alors une signature unique et universelle inspirée du plan d’un labyrinthe, motif récurrent dans ses œuvres.
L’Atlas présente la particularité de rechercher et de renouveler systématiquement son approche et son expression de la lettre et de la ligne.
Du rythme codifié de l’écriture, cherchant la frontière de l’illisible, et menant méthodiquement son œuvre vers l’abstraction et le minimalisme.
L’artiste considère toute forme comme une lettre et toute lettre comme une forme.
Ce qui le conduit à travailler avec des urbanistes pour donner une troisième dimension à son art et réinvestir l’espace public d’une autre manière, plus architecturée.
Jeu de variations infinies, affleurant et s’éloignant de l’art optique et des différents mouvements de l’art abstrait et géométrique. Le travail de L’Atlas forme un langage pictural universel, un équilibre entre la forme et la lettre, l’acte et l’intention.
Collectionné à l’international, il fait notamment partie des artistes prisés par Agnès B. ou Jimmy Choo.
Sur le marché très squatté du Street Art, L’Atlas est actuellement un artiste très respecté. Les galeristes l’exposent et sa cote ne cesse de grimper. L’Atlas surfe sur la vague.
La plupart des grandes marques de luxe, comme Guerlain, fait appel à L’ATLAS pour booster leur image.
Juin 4, 2024
Dave Baranes baigne dés son enfance dans la culture Hip-Hop et Street Art.
Passionné par le dessin, Dave BARANES se tourne vers le Graffiti et la peinture décorative sur les murs urbains. Sans se détourner du Street Art, il peint aussi sur toile, à l’acrylique et à l’aérosol, obtenant un trompe-l’œil bétonné saisissant de relief.
Ses animaux réalistes semblent surgir de décors très urbains, aussi colorés que bétonnés ; leurs courbes douces sur fond d’angles vifs ajoutent un relief supplémentaire au tableau, comme un double trompe-l’œil opposant la vie à l’inerte.
Assurément, importer de façon aussi magistrale la nature dans la ville est moins un paradoxe qu’une façon de pointer les dérives de notre monde. Parfois le fond urbain coloré apparaît flou, les contours de l’animal fondus dans le décor, puis le regard se fixe sur le faciès du tigre, du lion, très net et qui le regarde dans les yeux…
PEINTURE ET HUMANISME
La peinture de Dave BARANES semble vouloir à travers ses animaux sauvages nous rappeler que nous, êtres humains, ivres de nos succès technologiques, avons oublié notre juste place et notre appartenance au vivant.
Assurément, lui se souvient toujours de ses congénères et n’hésite pas à mettre son art au service de la solidarité. Dave BARANES est par exemple engagé de longue date auprès de la fondation des Hôpitaux de Paris – Hôpitaux de France.
On ne compte plus ses fresques exécutées dans des locaux dédiés aux enfants malades, qui lui donnent l’occasion de dévier de ses thèmes habituels pour représenter oiseaux, soleils ou héros enfantins qui ajouteront gaieté dans les regards des petits malades.
LE STREET ART AU SECOURS DE LA PLANETE
Dave BARANES cherche à nous interpeller sur le défi de l’évolution qui nous attend.
Il peint des animaux sauvages transposés dans un univers urbain. Savant mélange de trompe l’œil, Dave Baranes fausse matière et graffitis.
Il nous raconte une histoire, l’histoire de notre monde en perdition…
Pour cela il utilise des antagonismes visuels, des contrastes de couleurs, il oppose force et faiblesse et provoque des émotions contradictoires.
C’est en évoluant qu’on affine ses objectifs, ses performances, son adaptation. C’est dans cette quête perpétuelle que s’inscrit l’artiste, qui jour après jour évolue dans ses choix et ses trajectoires.
Mai 26, 2024
BARBARA COX
Avocate de formation, photographe réputée et jeune maman, Barbara Cox est une artiste
peintre belge, vivant près de Bruxelles. Son univers onirique et coloré est un jardin enchanté.
Barbara cherche à émerveiller, à rendre heureux.
Grâce à ses parents, Barbara baigne très tôt dans l’art, les musées et se passionne pour la danse
classique, puis plus tard pour la mode et l’architecture. Avocate au Barreau de Bruxelles pendant
plusieurs années, elle décide il y a 5 ans de tout lâcher pour se lancer dans la photographie de
mariage source de plus de bonheur et de satisfaction au quotidien. C’est lors du Covid que la
peinture s’impose pour égayer cette vie rétrécie et pour libérer une créativité débordante. Très vite
l’artiste développe son style visuel très personnel teinté de gaieté et d’innocence essentiel à nos
vies.
Reconnaissable au premier coup d’oeil, la série de toiles ‘Garden of Dreams’ de Barbara Cox nous
emporte dans un univers onirique et coloré, joyeux et enchanteur. Tel un voyage, chacun est invité à
se raconter sa propre histoire à travers la couleur et les formes posées sur la toile. On découvre au fil
du regard, le ‘Barb Happy’, petit personnage ‘gardien du bonheur’ qui s’invite sur toutes ses
oeuvres. D’autres éléments visuels comme la fraise, l’oeil, l’abeille, ainsi que des phrases positives
créent un ensemble dynamique et libre.
“Pour moi l’art doit apporter du positif, de l’apaisement et
faire sourire le coeur.” L’aspect désinvolte et spontané est revendiqué comme essentiel pour cette
amoureuse de la liberté évitant l’autorité et ‘le quand dira t’on’. Le processus de création de l’artiste
se veut instinctif, détaché d’un cadre trop défini à l’avance.
Ambitieuse et passionnée, son art qui nait dans une démarche de ré-enchantement, connaît alors un
succès immédiat et ne cesse d’émerveiller.
