Août 19, 2016
Né à Narbonne en 1987, Aiiroh est un artiste français qui peint et dessine depuis son plus jeune âge.
Sorti d’une école de dessin, il travaille quelques années en tant que graphiste en France et en Suisse.
L’artiste Aiiroh s’inspire des tendances Pop Art, New Pop Art et Street Art.
C’est à cette période qu’il a décidé de créer ses toiles utilisant des affiches publicitaires ou des éléments tout droit sortis de la rue.
Une de ses premières réalisations consistait à mettre en confrontation les héros de bande dessinée qui l’ont inspiré depuis sa plus jeune enfance.
Il détourne ainsi l’image que l’on peut avoir de ces personnages.
Dans certaines de ses œuvres, il intègre des marques pour rappeler la dépendance qu’a l’être humain aux produits de consommation.
La force graphique de ces grandes marques a elle aussi un effet sur notre inconscient collectif ainsi que sur nos codes esthétiques.
Dans la lignée de ses prédécesseurs Pop-art, Aiiroh utilise des techniques mixtes et actuelles, comme l’affichisme, le collage de cristaux Svarowsky, de la peinture acrylique, du pochoir, du gel.
Depuis quelques années, il se concentre sur la réinterprétation des figures emblématiques et les symboles de la pop à travers des affiches qu’il trouve dans les rues de Paris, Marseille, Lyon, Toulouse, Narbonne, à côté de ses anciens “points” graffiti.
Il est un artiste bien établi en France, en Suisse et États-Unis.
L’artiste AIIROH fait partie de cette nouvelle génération Néo pop Art.
Le Néo pop n’est pas un nouveau mouvement en soi mais plutôt une résurgence des travaux sur la culture populaire, et un moyen arrangeant de classer les différents artistes qui le constituent.
Cette trajectoire fonctionne comme les grands médias de divertissement, qui produisent des images et des icônes jetables, et tente de rivaliser avec eux.
Pourtant, le Néo pop se différencie sur certains points de son ainée. La société a changé, l’art aussi. Ses artistes cherchent à montrer comment le côté négatif du colonialisme culturel peut être transformé en « anomalies étrangement belles ». Leurs travaux sont le résultat et le reflet de la société de l’information globalisée.
Ainsi, il ne s’agit pas de transformer l’esthétique du quotidien en œuvre d’art mais plutôt de démontrer que l’art et la société de consommation, la culture populaire, sont au même niveau et peuvent coexister dans une même image.
Août 19, 2016
C215
Christian Guémy alias C215 est un artiste français majeur de la scène du street art.
Agé de quarante ans, il habite Vitry-sur-Seine où il a ses ateliers. Il travaille essentiellement au pochoir avec un style très reconnaissable. En dehors de ses interventions dans les rues du monde entier, il présente des œuvres peintes sur objets de recyclage dans de nombreuses galeries, en France et à l’étranger.
Christian Guémy débute le pochoir en 2006. Il participe au MUR dès 2007 et réalise, en 2013, un mur peint de 25 mètres à Paris, métro Nationale, représentant un chat.
En 2013, il peint également le visage de la ministre de la Justice, Christiane Taubira, alors cible d’attaques racistes[1]. Connu au niveau international, Christian Guémy présente des œuvres peintes sur objets de recyclage dans de nombreuses galeries, en France et dans le monde.
En 2014 il est sollicité pour créer 20 illustrations pour le jeu Far Cry 4 d’Ubisoft.
En 2016, C215 « signe » un timbre pour la Poste qui met à l’honneur Léo Ferré. L’auteur, compositeur et interprète aurait fêté ses cent ans.
Ses sujets de prédilection sont l’enfance, les laissés-pour-compte, les anonymes, les amoureux, mais aussi les animaux (chiens, chats et oiseaux), particulièrement présents dans ses tableaux urbains. Son modèle principal est sa fille Nina, née en 2003.
Son style va de la bichromie aux compositions les plus colorées. Les dimensions de ses œuvres demeurent à l’échelle humaine, ne réalisant que rarement de murs peints de très grandes dimensions.
Fervent admirateur du Caravage, C215 veut mettre de la poésie et de l’émotion au cœur des villes désincarnées. Ses visages d’anonymes aux traits expressifs témoignent de son besoin de retrouver une certaine humanité.
« Mes œuvres placent des invisibles au rang des célébrités. À travers ces visages, je souhaite que les passants se confrontent à leur propre humanité.»
« L’art de C215 est de capter la lumière, la profondeur et l’humanité. C’est très difficile à réaliser au pochoir – son médium de prédilection – et rarement réussi. Cette technique a tendance en effet à aplatir les images et à les rendre statiques.
Au contraire, C215 a développé un style d’illustration et de découpe qui révèle la personnalité profonde de ses sujets, leur apportant un éclairage impressionniste.
Bien que sa technique soit méticuleuse, dans le sens le plus raffiné du terme, l’art de C215 transcende la forme pure et semble toucher l’essence même de l’âme humaine. C’est toujours un grand bonheur pour moi de croiser les oeuvres de C215 dans la rue.»
Shepard Fairey aka OBEY
Du 10 juillet au 8 octobre 2018, l’artiste urbain C215 donne des visages aux grandes figures honorées au Panthéon avec le parcours « Illustres ! C215 autour du Panthéon ».
Parcourez un itinéraire dans la crypte du Panthéon puis dans les rues du Ve arrondissement ! Vous entrerez dans les coulisses de création de C215 avant de sortir du monument pour découvrir les portraits de 28 personnalités.
Août 19, 2016
Mr Live est un artiste plasticien né en 1968 à Lille.
Sa vie professionnelle débute par le commerce : elle est dominée par un ennui profond. En effet, c’est l’Art qui le passionne et le transcende. C’est une rencontre avec l’artiste David Cintract, à l’origine du mouvement Pop Libre qui va bouleverser sa vie et l’encourager à assumer sa vocation d’artiste. Il lui conseille de « devenir l’artiste de son existence ». C’est ce que Mr Live va s’acharner à faire, de manière totalement autodidacte.
Peintre et plasticien, il exerce son art à travers différents supports, comme des palissades de bois peintes à l’aérosol. Il s’inspire largement de la pop culture contemporaine, et en particulier de l’univers des superhéros.
Passionné depuis son enfance par l’univers des artistes et leurs œuvres, Philippe Clairé s’ennui dans son costume de commerçant.
Lors de sa rencontre avec l’artiste David Cintract sa vie prend un tournant radical lorsque l’initiateur du mouvement Pop Libre lui dit « devient l’artiste de ton existence ».
Grâce à une amitié forte entre les deux individus et un travail acharné, il passe de la sculpture au pictural. Il devient l’heureux Mr Live.
ESPACE POP LIBRE :
David Cintract et Mr Live
« L’Espace Pop Libre Concept est un lieu entièrement dédié au travail de l’artiste David Cintract. Artiste français contemporain et initiateur du mouvement “Pop Libre” et bien plus qu’un mouvement : un état d’esprit (Art de vivre). Il s’inspire de l’actualité, du quotidien, du cinéma, de la BD pour mieux mixer ses envies. Il utilise diverses techniques (photo, inclusion d’objets divers, huile, acrylique…) et technologies nouvelles (digigraphie) qu’il maîtrise parfaitement. L’espace est principalement ouvert aux professionnels mais également aux particuliers qui souhaitent découvrir les œuvres de l’artiste. L’espace présente également l’artiste “Mr Live” parrainé par David Cintract. Pluridisciplinaire, il crée palissades avec vidéos, sons mais aussi sculptures. »
Août 19, 2016
Peter Klasen est né à Lubeck, Allemagne en 1935.
Vit et travaille en France.
De 1956 à 1959, Peter Klasen étudie à l’école des Beaux Arts de Berlin. En 1959, lauréat du prix du mécennat de l’industrie allemande, il obtient une bourse d’études et s’installe à Paris.
Peter Klasen est dans les années 60, un des fondateurs du mouvement artistique nommé Nouvelle figuration ou figuration narrative. Il élabore alors un langage plastique personnel, en explorant et reinterpretant les signes de notre environnement urbain, et plus généralement de notre société.
La thématique industrielle marque profondément son œuvre. On retrouve ainsi dans les peintures de Peter Klasen, des éléments tels que manomètres, tôles d’engins de travaux publics, verrous métalliques, bâches de camion.. Sont également présents des logos, des chiffres et des photos issues de magazines ou d’affiches.
Peintre de l’urbanité bétonnée et métallique, Peter Klasen explore les abîmes et les vertiges d’une société déshumanisée. Ses œuvres sont présentes dans plus de 60 musées et collections publiques à travers le monde.
Ses oeuvres ont fait l’objet de nombreuses monographies.
“La peinture me libère de mes angoisses”
Qu’est-ce qui vous pousse à peindre?? Un moteur qui est en route et tourne tout seul, comme une Volkswagen. Bon, c’est pas vraiment le bon exemple, en ce moment, avec les problèmes de la marque…
Photographie. La photo nourrit mon futur travail. Je pars de mes voyages et je fais le tri à l’atelier. À partir de ce matériel, je développe de nouvelles thématiques. Photographier la réalité n’est pas la réduire mais la sublimer. Il s’agit d’une investigation du réel à travers l’objectif. Le gros plan limite notre champ de vision et focalise notre attention.
Langage. J’ai développé un langage anticorps qui résiste à l’agression permanente qu’exerce sur moi le monde extérieur. C’est le résumé de toute ma vie. La résistance nécessaire pour faire face à la menace individuelle et collective que nous subissons.
Août 19, 2016
Laurence Nolleau – ART EMOTION
Elle excelle dans l’art du portrait contemporain incisif…
Née en 1963, Laurence NOLLEAU a voyagé dès son plus jeune âge et a découvert, à travers les déplacements professionnels de ses parents, la lumière du Moyen Orient et celle de l’Afrique du Nord.
Une escale qui s’éternise en Algérie fera naître une profonde amitié entre la famille de Laurence et Joan Bachs artiste peintre espagnol et ancien conservateur du musée de Barcelone.
Laurence Nolleau, alors âgée de 6 ans est déjà passionnée par le dessin. Nul doute que cette rencontre aura été déterminante dans son parcours.
Son attrait pour l’art se manifeste dans un premier temps par le dessin. De retour en France, Laurence suit une double formation de styliste-modéliste à ESMOD PARIS, où elle reçoit des mains de Jean-Louis DUMAS-HERMES, le 3ème prix de modelisme.
Elle obtient son premier apprentissage chez DIOR en 1987, des missions à l’étranger pour le groupe BOUSSAC et travaille en collaboration avec des marques françaises comme Caviar, Zapa, ……
Sa carrière est assise lorsqu’elle devient directrice des Collections Europe d’une marque Australienne, poste qu’elle occupera jusqu’en 2001.
En 2002 c’est le tournant, Laurence décide de laisser libre court à sa vocation artistique et quitte le domaine de la mode pour s’enfermer dans son atelier de peinture.
Ce n’est qu’après 8 ans d’exploration et de technique que l’artiste décide de proposer son travail aux galeristes.
L’huile, une révélation, matière mémoire qui garde trace de chaque geste de l’artiste qui incise, découpe, caresse, racle la peinture sur la toile.
Armée de son couteau, Laurence sculpte avec énergie ses visages pour nous livrer des œuvres percutantes et graphiques. Les couleurs sont vives et intenses, les regards hypnotiques, les portraits saisissants : l’expressionisme prend ici tout son sens.
« La vérité sans compromis a toujours des bords déchiquetés » disait l’écrivain américain Herman Melville.
