Juil 20, 2018
Tordjmann est un sculpteur, peintre et photographe français, né en 1958.
Sa matière de prédilection est le Plexiglas. D’une grande pureté, ses compositions jouent avec la transparence et la lumière pour faire naître l’émotion et la réflexion. Ces sculptures aériennes, œuvres uniques et originales sont toujours composées de violons ou d’autres instruments de musique.
En 2005, il revient également à sa première passion, la peinture, mais en créant un nouveau concept : la peinture sous plexiglas. Ses tableaux jouent avec les couleurs les plus vives tout en conservant cette luminosité exceptionnelle.
Depuis 2009, Franck Tordjmann rencontre un vif succès avec ses compositions photos originales autour des grandes villes : Paris, New York, Londres. Les symboles de ces capitales se fondent librement, se mélangent, se superposent pour créer une ville nouvelle : onirique et magique.
En 2014, l’artiste se renouvelle encore avec des ”bouquets d’instruments”, sculptures uniques réalisées avec de véritables saxophones ou trompettes… Dans ses oeuvres, il matérialise les sons. Il interprète physiquement les émotions suscitées par la musique.
En 2015, Franck Tordjmann continue son concept de mémoire des objets en travaillant sur des affiches originales du cinéma américain et italien. Ces affiches lacérées nous font voir, sous un autre angle, ”Le parrain” ou ”La dolce vita”…
Franck Tordjmann expose en permanence depuis 2002 à Paris, Saint Paul de Vence, Honfleur, Megève, Courchevel, Saint Tropez, Cannes, Arcachon, New York, Napels, Singapour…Ou encore à Knokke en Belgique et Lausanne en Suisse.
Depuis 2003, il est coté chez Drouot, il est vendu à Drouot et Art Curial, et fait partie de nombreuses collections dans le monde (USA, Russie, Australie, Belgique, Royaume uni…).
Parmi ses collectionneurs, de nombreuses personnalités : Nicolas Sarkozy – Shimon Peres – Woody Allen, Madonna – Jean-Jacques Goldman – Johnny Halliday – Patrick Bruel – Naguy – Gilbert Montagné – Steve Suissa – Tomer Sisley…
Juin 25, 2018
Debra Frances Bean est née à Londres en 1967, elle vit et travaille entre New York et Londres.
Ses sculptures sont des sacs à main en cristal de synthèses avec inclusion d’objets populaires tels que des billets d’un dollar, des jouets, du Coca-Cola, du maquillage Chanel, des parfums de créateurs, des montres de poche, des rouges à lèvres, des bagues ou des clés rouillées.
Ils présentent au spectateur une parodie et une critique du concept commercial à travers une visualisation hyperréaliste.
Son travail s’inspire des éléments kitsch de la culture populaire, faisant référence tant au pop art qu’à un modernisme cherchant à incarner nos idéaux. La répétition insistante de ceci dans la forme et le concept, est remplie des notions de produits manufacturés de masse qui contribuent au paysage d’une société de plus en plus encombrée de »trucs ».
Debra Frances Bean explore des idées centrées sur la consommation et la fabrication en série et explore la relation complexe que nous avons avec des objets matériels comme biens consommables. Notre inclination à consommer est contrariée par la culpabilité et l’anxiété que cela suscite. Les sacs à main de Debra Frances Bean sont des marchandises en elles-mêmes.
Dans la mesure où ces œuvres sont un clin d’œil au pop art, ils se réfèrent aussi à l’ère numérique, révélant le processus par lequel le contenu de ces sacs à main est acquis par les achats en ligne ou sur les réseaux sociaux.
SELECTED GROUP EXHIBITIONS
2013
London art fair Islington Mark Jason Gallery
Hong Kong AAF Mark Jason Gallery
Scope Basel & Miami Wanrooij Gallery Arnhem
Ghent Art Fair Axel Pairon Antwerp
Amsterdam AAF Wanrooij Gallery Arnhem
Hamburg AAF Wanrooij Gallery Arnhem
« Upon Reflection » Quidley &Co, Boston
Battersea and Hampstead AAF Mark Jason Gallery
Fight for Sight Art auction
Scope Basel, Wanrooij Gallery
Bucks Open Studios, The Red House, Harefield
Quidley & Co Nantucket USA
Launch @ Biba Gallery Palm Beach
2012
Scope Miami, Wanrooij Gallery
Affordable Art Fair (London, Singapore, New York), Mark Jason Gallery
Affordable Art Fair (Hamburg, Amsterdam, Brussels), Wanrooij Gallery
Boston Art Fair, Quidley & Company
Gallery artists, Axel Pieron, Antwerp Belgium
Greenwich Art and Design, Stanford USA, Manart Gallery Paris
Urban Intersections, Quidley & Company Boston
Knokke, Axel Pairon , Antwerp, Belgium,
Gallery Opening Show, Manart, Paris
Realisme, Amsterdam, Wanrooij Gallery
London Art Fair, Mark Jason Gallery
Mai 23, 2018
Olivier Duhamel est un artiste français née en 1957.
Après de nombreuses années de voyage en Europe, en Afrique centrale et dans le Pacifique sud, Olivier Duhamel s’installe en Nouvelle Zélande en 1987 et en adopte la nationalité en 1992.
Il vit et travaille sur la petite île de Waiheke non loin d’Auckland où il passe son temps à établir sa fonderie artisanale et un réseau de galeries représentant son travail en Nouvelle Zélande, en Australie et en Europe.
Il enseigne la fonte du bronze et publie également un manuel de fonderie. Sa principale source d’inspiration est le nu féminin qu’il interprète au crayon de papier avec un grand souci du détail mais surtout par le biais d’une sculpture figurative innovante : la sculpture dite «en lamellé collé».
On peut définir le travail d’Olivier Duhamel comme celui d’un sculpteur figuratif qui a acquis une grande maîtrise de la forme humaine qu’il décline en bronze, en bois et en acrylique.
A travers ses créations, il tente de capturer la beauté et la sensualité de ses sujets d’études. En matière d’art, il s’intéresse particulièrement à la beauté, l’émotion et la maîtrise des techniques.
« A travers mes créations, je me concentre à essayer de capturer la beauté et la sensualité de mes sujets d’études En matière d’art, je suis principalement intéressé par la beauté, l’émotion et la maitrise de mes techniques J’espère que mes créations enchantent plus qu’elles ne provoquent » Olivier Duhamel
Prix :
Shell Todd Oil Services Ltd 3D Award -Taranaki National Art awards 2013
Public’s choice awards 2013”, Waitakere Art Council
People’s choice award 2018 – Seattle, Washington, USA
Mar 9, 2018
Boutet, le sculpteur digital
Boutet a commencé son parcours par des études en communication et arts graphiques au collège de Ste-Foy.
« Il faut posséder la technique pour s’en libérer et laisser toute la place à la créativité », dit-il. Levé aux aurores, il étudie depuis des années avec les plus grands maîtres du digital.
Qu’ils soient en Europe, en Asie ou aux États-Unis, ses professeurs lui enseignent et le coachent via les outils modernes que sont Facetime et Skype. Son perfectionnement continu repose aussi sur de nombreux cours offerts exclusivement en ligne.
Depuis 25 ans, il crée, invente, anime des personnages pour la télévision et le Web, les livres et les magazines, pour de grandes entreprises internationales telles que Universal Music (Universal Music), Hallmark (Hallmark), Colgate (Colgate), Scholastic (Scholastic), le Comité olympique canadien (COC), les Musées de la Civilisation (MCQ), etc. Ses personnages deviennent figurines, toutous, bijoux. Ses logos impriment une image solide aux entreprises qui lui confient le défi de bien les identifier.
Boutet a toujours été impressionné et inspiré par Picasso et Miro, par les grands maîtres traditionnels et les artistes éclectiques modernes. « Si Picasso avait possédé ces outils modernes de création 3d, imaginez ce qu’il aurait créé ! »
Boutet maîtrise l’art de l’illustration, du dessin 3D, de l’animation vidéo et de la peinture. Aujourd’hui, il applique toute son expérience de créateur d’art numérique dans un style tout à fait unique et personnel.
Les œuvres de Boutet sont avant-gardistes tout en étant des sujets classiques. La grâce impressionnante de ses personnages relève de sa vision, de son design, de son choix de matières et de leur disposition, le tout amalgamé dans une légèreté spatiale qu’il compose de toute pièce.
Jan 29, 2018
Né à Marseille en 1963, Thierry Benenati est sculpteur. Artiste fontenaisien, sa renommée est internationale.
Après des études aux Arts Appliqués, c’est à Paris qu’il mène pendant 20 ans une carrière créative de directeur artistique en agences de publicité. Depuis 10 ans, il se consacre à la sculpture, expression artistique pure, sa véritable nature. Il participe régulièrement au Grand Palais, ou encore au Salon d’Automne dont il a été vice-président et président de la section sculpture. En 2019, une de ses œuvres entrera dans un musée italien attaché à la ville de Torgiano (Italie), une consécration.
Le Bronze…
Qu’elles soient animalières ou pas, les sculptures de Thierry Benenati révèlent une réalité invisible, une vérité cachée de chacun des sujets, sous forme d’allégorie, grâce à la symbolique. Avant de devenir des bronzes, les originaux sont en plâtres, fer et cire. C’est dans le plus grand respect des règles de l’art que ses pièces révèlent un authentique travail de sculpteur, créées puis réalisées par l’artiste.
…et l’Acier
Dans son atelier fontenaisien, Thierry Benenati travaille aussi le fer comme il le fait avec la terre, mais sous les 1500° de son chalumeau. Le travail d’un original en acier est plus éprouvant et dangereux que le travail de la cire ou du plâtre. Ici tout est dur, coupant, lourd et extrêmement résistant. Réaliser une œuvre en acier, puis la ciseler, est une épreuve de force ! Mais le résultat final, dans son élégance et son mouvement, doit faire oublier la rigueur et l’endurance que le travail de cette matière impose.
Marier harmonieusement classique et moderne
Mes œuvres n’oublient ni le beau, ni le vivant, ni la lumière, ni l’espace, ni même le temps.
C’est en dehors de toutes modes ou tendances que j’essaie d’inscrire mon travail dans une continuité de l’histoire de l’art et dans l’amour des grands maîtres. Mes réalisations, résolument surréalistes, toujours décalées et la plupart du temps animalières, trahissent mes origines Italiennes dans leur style parfois baroque : une expression que l’on peut nommer symboliste-surréaliste.
La sculpture témoin des civilisations.
L’art primitif; voilà la source de la création artistique de l’humanité. Picasso, Matisse, Giacometti, modigliani, Brancusi… et plus récemment Bazelitz, Paladino, Barcelo ou Ousseman Sow, et bien d’autres, tous se sont nourri de ces racines, qu’elles soient égyptiennes, étrusques, aztèques, mayas, africaines, océaniennes ou asiatiques. Depuis les mises en scène de Marcel Duchamps, nous avons assisté à 80 années à glorifier le concept plutôt que le talent et le savoir-faire. Ne serait-ce pas juste un clin d’oeil sur 30 000 ans d’art ? Les crises ont au moins cela de bon, c’est qu’elles chassent le superflu et nous incitent à retrouver les fondamentaux.
Depuis toujours, la sculpture a été l’un des témoins privilégiés de l’histoire des civilisations. De l’Afrique à l’Occident, les œuvres, parfois monumentales, ont toujours fasciné par la maîtrise dont ont fait preuve leurs auteurs. Elle s’inscrit aujourd’hui dans un monde où, depuis la taille directe de la pierre ou du bois, les matières et les techniques se multiplient et on ne sait plus vraiment qui fait quoi et comment.
Mais fort heureusement le regard du public nous montre qu’il restera toujours sensible aux effets d’ombres et de lumières sur les formes, aux jeux des pleins et des vides, à la créativité et au talent d’Insuffler une étincelle de vie qu’une œuvre propose en partage avec le visiteur.
Richesse de la production artistique contemporaine
Pour Thierry Benenati «la production artistique contemporaine est fort heureusement plus diverse et fertile que jamais. Mais il existe cependant une scission injuste entre les modernes et les classiques. les premiers considèrent les classiques comme étant désuets et les seconds accusent les modernes de négliger la maîtrise.
L’essentiel de mon style tente à démontrer que l’on peut éventuellement trouver un trait-d’union entre les deux.
DISTINCTIONS – EXPOSITIONS
